Como cada año –y ya van 24–, el festival internacional de fotografía PHotoEspaña anima la “escena” cultural madrileña veraniega con un buen número de exposiciones y actividades que llenan de imágenes impactantes los espacios más creativos de la capital. La redacción de Wanderer ha tenido oportunidad de visitar buena parte de las muestras que forman parte de la ‘Sección Oficial’, así que compartimos con todos vosotros algunas imágenes de lo que ofrece el festival, que una vez más ha sabido conjugar la obra de clásicos como Bill Brandt, Gerardo Vielba o Margaret Watkins con planteamientos y creaciones más contemporáneas, como las que presentan Lua Ribeira, Katia Kameli o Megane Mercury, entre otros.
Bill Brandt (3 de junio a 29 de agosto)
Bill Brandt Archive y de la Edwynn Houk Gallery © Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd.
Dio sus primeros pasos en el mundo de la fotografía como aprendiz en el estudio de Man Ray, una primera etapa en la que también se aprecia en su obra una clara influencia de otros artistas como Brassaï, André Kertész o Eugene Atget. El alemán Bill Brandt (Hamburgo, 1904-Londres, 1983) ha pasado a la historia como uno de los creadores de la fotografía moderna, al concebir el lenguaje fotográfico como un poderoso medio de contemplación y comprensión de la realidad.
Muchas de sus fotografías, publicadas en formatos populares como revistas y libros, se convirtieron rápidamente en piezas icónicas, indispensables para entender la sociedad inglesa de mediados de siglo.
Con una obra marcada también por una evidente y continua fascinación por «lo extraño» –todo aquello que causa al mismo tiempo atracción, extrañeza y desasosiego–. Su obra tardía muestra una faceta más experimental, una búsqueda de la innovación a través del recorte y el encuadre, presente sobre todo en las imágenes de desnudos.
Dónde: Fundación MAPFRE – Sala Recoletos (Paseo Recoletos 23, 28004 Madrid)
Entrada: 5€ (Reducida: 3 €)
Horario: Lunes (excepto festivos) de 14:00 a 20:00 h. / Martes a sábados de 11:00 a 20:00 h. / Domingos y festivos de 11:00 a 19:00 h
Más información: Fundación MAPFRE
Margaret Watkins. Black light (9 de junio a 26 de septiembre)
La fotógrafa canadiense Margaret Watkins llevó una vida rebelde y contestataria que la llevó a rechazar las convenciones tradicionales y los roles de género asignados a las mujeres. Su producción fotográfica destacó de forma especial durante la década de 1920 y, de hecho, se convirtió en una de las primeras autoras en dedicarse a la fotografía publicitaria.
El pintor y también fotógrafo László Moholy-Nagy definió su fotografía como «un verdadero instrumento de expresión que permite ver el mundo de manera diferente», dando a entender que era mucho más que un mero sustituto mecánico de la pintura.
En el estilo modernista de Watkins se aprecia su capacidad para anticipar las grandes revoluciones estéticas y conceptuales que llegarían algunos años más tarde. Por ello, los estudiosos de su obra han considerado a la fotógrafa canadiense como «un claro vínculo entre un pictorialismo en busca de identidad y el modernismo de vanguardia». Hay en su producción un diálogo incesante entre el arte y la vida doméstica, figura que empleará a lo largo de toda su carrera, tanto en su obra personal como en sus trabajos publicitarios para agencias como Condé Nast o Reimers, y revistas como The New Yorker, Ladies Home Journal o Country, entre otras.
Bajo el título de Black Light (Luz negra), esta apasionante exposición retrospectiva de su obra reúne un total de 150 fotografías de la creadora, datadas entre 1914 y 1939, y entre las que se incluyen retratos y paisajes, bodegones modernos, escenas callejeras, trabajos publicitarios y diseños comerciales. Todo un legado con el que anticipó una nueva forma de mantener un diálogo privilegiado y secreto con la fotografía.
Dónde: CentroCentro (Pza. Cibeles, 1A – Planta 5)
Horario: Martes a domingo, de 10:00 a 20:00 h.
Gerardo Vielba (18 de mayo a 25 de julio)
Considerado un personaje clave en el desarrollo de la fotografía en España y uno de los máximos representantes de la llamada Escuela de Madrid, Gerardo Vielba dio muestras de un enorme interés y sensibilidad hacia la belleza de lo cotidiano. El fotógrafo madrileño enseñaba armonía y enfatizaba en sus figuras, escenas y paisajes urbanos la fantasía que conlleva el registro de lo real a través de la elegancia y el intimismo.
Esta exposición tiene como objetivo recrear toda la fuerza creativa de un autor que fotografiaba desde la sinceridad. La muestra reúne más de 120 instantáneas, entre las que podemos encontrar alguna de sus obras más conocidas, y al mismo tiempo se han rescatado del archivo familiar otras muy valiosas e inéditas, como las que realizó durante su estancia en París en 1962.
Dónde: Canal Isabel II (Calle Santa Engracia, 125 – Metro Río Rosas, Alonso Cano – Cercanías Nuevos Ministerios)
Horario: Martes a sábado, de 11:00 a 20:30 h / Domingos y festivos, de 11:00 a 14:00 h.
Más información: Sala Canal Isabel II
Eventos de lo social. Fotografía africana en The Walter Collection (2 de junio a 22 de agosto)
La exposición Eventos de lo Social, presenta, por primera vez en España, parte de los fondos de la Walther Collection, uno de los más importantes archivos de fotografía y arte visual de artistas africanos o afrodescendientes, que incluye obras modernas, contemporáneas, fotografía del siglo XIX de Europa y África, e imágenes vernáculas. La institución alemana es una fundación de arte dedicada a la comprensión crítica de la fotografía histórica y contemporánea y de otros medios relacionados con la imagen.
La colección persigue destacar el uso social de la fotografía y difundir la historia del medio en todo el mundo. Redefinir la propia identidad más allá de la construcción generada desde Occidente fue uno de los ejercicios que caracterizaron la modernidad y el desarrollo del sujeto negro en términos africanos. La narración de ese complejo imaginario tuvo en el arte y en la fotografía una plataforma excepcional para la reapropiación, no solo de dicha subjetividad, sino también de su mirada, que a partir de entonces se convertirá en un elemento de análisis crítico.
Analizando la fotografía del continente africano y de su diáspora de los últimos 50 años, aparecen rasgos comunes como la formulación de una nueva identidad cultural de la que se consideran narradores al tiempo que protagonistas o una suerte de tabula rasa de la que partir, sin dejar en el olvido la violencia del proceso.
Dónde: Sala Picasso – Círculo de Bellas Artes
Horario: Martes a domingos. 11:00 a 14:00 h y de 17:00 a 21:00 h. Lunes cerrado.
Contra la raza (3 de junio a 28 de noviembre)
Contra la raza propone una iniciativa multidisciplinar que gira en torno a imaginarios contemporáneos y futuristas que promueven, a través de historias y poéticas del imaginario negro, distintas formas de un humanismo global e igualitario.
De esta manera, la Nave 0 de Matadero acogerá una exposición individual del artista Larry Achiampong, presentando una instalación multimedia de su proyecto Relic Traveler: Phase 1, 2 and 3 y la proyección de una selección de obras audiovisuales de varios artistas, entre los que se incluyen Kiluanji Kia Henda, Grada Kilomba y Mónica de Miranda, entre otros.
Posteriormente, durante la última semana de octubre, tendrá lugar un programa en vivo de actividades que incluirá diálogos, performances y proyecciones, además de un ciclo de cine en colaboración con Cineteca Madrid.
Este proyecto busca crear una comunidad temporal, orgánica y global, a través de una propuesta multidisciplinar que genere una plataforma para el encuentro, en el que varias nociones de lo negro –históricas y actuales– se presentan como una narrativa radical, como un método estructural abierto y plural.
Dónde: Matadero Madrid (Paseo de la Chopera, 14 – Metro Legazpi)
Horarios: Martes a jueves, de 17:00 – 21:00 h / Viernes, domingos y festivos, de 12:00 a 21:00 h
White Nights. Timm Rautert, Crazy Horse / Tod Papageorge, Studio 54 (2 de junio a 5 de septiembre)
La Colección Per Amor a l’Art presenta dos series fotográficas que muestran la vida nocturna en los años 70 del siglo pasado en París y Nueva York, retratadas por Timm Rautert y Tod Papageorge en el Crazy Horse y Studio 54 respectivamente.
Timm Rautert (Tuchel, 1941) fotografió el cabaret parisino Crazy Horse en 1976 para la prensa alemana. El Crazy Horse fue fundado en 1951 por el artista Alain Bernardin, creador del Art du Nu, y continúa ofreciendo representaciones de burlesque en la capital francesa en la actualidad. Durante los años 60, se desarrolló un género único que se basaba en espectáculos con mujeres desnudas vestidas únicamente por la iluminación del escenario (proyecciones inspiradas en obras artísticas del momento). Su fama fue tal que artistas como Salvador Dalí colaboraron con el diseño de mobiliario, y cineastas como Woody Allen utilizaron ese escenario para secuencias de sus largometrajes.
La revista ZEITmagazin encargó un retrato de Alain Bernardin a Timm Rautert para acompañar un artículo sobre el cabaret. Cuando Rautert fue al local, tuvo que esperar a que apareciera el fundador y entretanto se dedicó a fotografiar a las bailarinas en los camerinos. Finalmente, la revista publicó una selección de esas imágenes. Más tarde, en 1994, y a raíz del suicidio de Bernardin, Rautert integró el artículo en el diario alemán FAZ, como parte de la obra. Años después, en 2010, continuaría esta línea de investigación con Crazy Horse II.
Un año después de que Rautert fotografiara el Crazy Horse, en 1977, el abogado Steve Rubell y su socio Ian Schrager decidieron abrir en Nueva York Studio 54: un club nocturno en el centro de Manhattan. A pesar de la vida efímera del club –33 meses (apenas tres años)–, su fama se disparó a nivel internacional por la cantidad de rostros conocidos que lo frecuentaban y que se mezclaba, en una amalgama equilibrada, con “gente corriente”.
Studio 54 se convirtió en un símbolo de la inmoralidad y el libertinaje. En 1979 cerraron el club por el encarcelamiento de sus fundadores, acusados de evasión de impuestos y actividades ilegales (drogas, falta de licencias, etc.). El club reabrió en 1981, pero sin conseguir el éxito y el brillo de sus primeros tiempos.
En los años 70, sin embargo, Studio 54 se había transformado en un auténtico espectáculo en su interior. En el exterior, la política de acceso se había hecho famosa, hasta el punto de que las televisiones enviaban equipos para entrevistar a los rechazados. Tod Papageorge (Portsmouth, 1940) consiguió acceder gracias a Sonia Gordon Moskowitz, conocida fotógrafa de famosos, en la fiesta de Nochevieja de 1977 a 1978.
A diferencia del resto de fotógrafos que lograban entrar al club, Papageorge no buscaba capturar a los famosos y procuró alejarse de una representación literal o periodística en sus fotografías. Lejos de limitarse a retratar la ostentación y el glamour, Papageorge compuso marcos evocadores e inspeccionó el club en su forma escultórica, inspirándose en las imágenes de la vida nocturna parisina de Brassaï en la década de 1930.
Dónde: Sala Minerva – Círculo de Bellas Artes.
Horario: Martes a domingos, de 11:00 a 14:00 h y de 17:00 a 21:00 h. Lunes cerrado.
Ouka Leele. Supernova (2 de junio a 24 de octubre)
Ouka Leele es una de las creadoras más singulares y reconocibles de la Movida madrileña. Ouka comenzó su idilio con el arte desde muy joven, encontrando la inspiración en el mundo de los sueños. Es dentro de esos escenarios oníricos donde descubre escenas increíbles que traslada a la realidad y materializa en su obra a través de escritos, fotografías, dibujos y pinturas. La teatralidad que proponen sus imágenes, el reto de despertar una o varias fantasías dentro de cada composición, es una de las señas de identidad que acompaña a su obra.
Esta exposición nace fruto de la colaboración con el Archivo Lafuente, institución que conserva unos 1.500 fondos de la obra de la artista –la mayoría inéditos–, de los cuales se han seleccionado trabajos fotográficos, dibujos, material audiovisual y proyectos editoriales correspondientes a los primeros años de carrera durante la década de los setenta y ochenta.
Dónde: Sala Goya – Círculo de Bellas Artes.
Horario: Martes a domingos, de 11:00 a 14:00 h y de 17:00 a 21:00 h. Lunes cerrado.
6 fotógrafos. 5 días. 1 instalación (4 de junio a 29 de agosto)
Entre los días 31 de mayo y 4 de junio tuvo lugar un laboratorio experimental donde los participantes, invitados por la fotógrafa Lua Ribeira, utilizaron el territorio de la ciudad de Madrid y las circunstancias de la pandemia como punto de partida para la creación de un proyecto colectivo. Las voces contundentes y experimentales de Antoine D’Agata, María Sánchez, Ricardo Cases, Claudia Claremi y Megane Mercury han transformado el espacio de la Sala Ideas en un taller de comisariado donde el intercambio de significados ha permitido dar paso a la investigación y celebración del medio fotográfico.
El resultado de esta experiencia se muestra al público desde el día 5 de junio en la Sala Estudios.
Dónde: Sala Estudios Tabacalera (Embajadores, 51).
Horario: Martes a viernes, de 12:00 a 20:00 h. Sábados, domingos y festivos, de 11:00 a 20:00 h. Lunes cerrado.
Más información: Tabacalera
∗ Textos adaptados de la web oficial y folletos de las exposiciones.
